NAZA, el documental que expone testimonios de militares israelíes sobre Gaza, se podrá ver gratis en internet

La película de Yuval Abraham y Rachel Szor estará disponible a finales de noviembre en el sitio web de The Guardian. El anuncio se produce después de las amenazas del Gobierno israelí contra los directores, a quienes acusaron de "traición". El documental que expone los sistemas detrás de la matanza masiva y calculada de civiles palestinos por parte de Israel

NAZA, el documental dirigido por los cineastas israelíes Yuval Abraham y Rachel Szor que reúne los testimonios de 24 miembros de la inteligencia y el Ejército israelíes sobre las operaciones militares en Gaza, podrá verse gratuitamente en internet a finales de noviembre, después de su recorrido por las salas de cine.

La película estará disponible para el público mundial a través del sitio web de The Guardian, que coproduce el documental, como parte del compromiso del medio con la difusión del periodismo independiente.

"NAZA se basa en un periodismo riguroso publicado a lo largo de los últimos tres años", afirmó Harry Davies, corresponsal de investigación de The Guardian y uno de los productores de la película. "Pero es también una obra cinematográfica poderosa que pronto estará disponible en pantallas, grandes y pequeñas, de todo el mundo".

La decisión de facilitar el acceso gratuito al documental fue anunciada por Abraham en su cuenta de X. El director explicó que él y Szor tomaron la decisión junto con The Guardian "debido al interés y la importancia pública" de la película.

"NAZA será accesible en internet de forma gratuita, sin límite de tiempo, para que cualquier persona pueda verla y ver los testimonios de los soldados", escribió Abraham. Según precisó, esto ocurrirá "en unas pocas semanas, en noviembre, en la fecha más temprana que logramos fijar".

Mientras tanto, los responsables de la película han ofrecido el documental a distintos distribuidores y salas de cine de Israel sin coste, con la intención de que pueda proyectarse en el país en paralelo a su distribución internacional. The Guardian también está explorando vías para que NAZA pueda ser vista en los territorios palestinos ocupados.

Los testimonios de 24 miembros de la inteligencia y el Ejército
Rodada de noche en las azoteas de Tel Aviv, NAZA incluye entrevistas, realizadas bajo condición de anonimato, con 24 miembros de los servicios de inteligencia y del Ejército israelíes.

El documental aborda los sistemas utilizados durante las operaciones militares israelíes en Gaza y se basa en investigaciones periodísticas publicadas entre 2023 y 2025 por The Guardian, +972 Magazine y el medio en hebreo Local Call.

Según The Guardian, el título NAZA corresponde a un acrónimo utilizado por la inteligencia militar israelí para referirse, de manera eufemística, al número de civiles que se espera que mueran durante un ataque aéreo.

Abraham ha defendido el trabajo periodístico que sustenta la película. "La película se basa en una investigación periodística exhaustiva de tres años y los detalles en ella están verificados y cruzados. Hablará por sí misma y la verdad acabará saliendo a la luz", escribió.

El director ha explicado que el objetivo del documental es "generar un debate público sobre las acciones del Gobierno en Gaza, la muerte de más de 73.000 personas, la mayoría civiles, la normalización de una guerra de exterminio" y la percepción de que "no hay no involucrados".

Entre los hechos que Abraham afirma que aparecen documentados en los testimonios se encuentran el asesinato de personas desarmadas que cruzan determinadas líneas, la autorización de ataques contra viviendas familiares, la destrucción física de Gaza y disparos contra personas que acudían a centros de distribución de alimentos.

Amenazas contra los directores
El estreno de NAZA se produjo en medio de una fuerte controversia política en Israel. La semana pasada, el primer ministro Benjamín Netanyahu y distintas figuras militares y políticos de la derecha israelí pidieron que se revocara la ciudadanía de los directores y los acusaron de "traición contra el Estado".

Netanyahu afirmó que buscaría impulsar nuevas leyes que permitieran retirar la ciudadanía a quienes "manchen la reputación" de los soldados israelíes o "difamen" al Estado de Israel.

Paralelamente, decenas de activistas de derecha se concentraron frente a la casa de los padres de Szor. Según The Guardian, en el lugar se desplegaron agentes de la policía y de la policía fronteriza. Uno de los manifestantes pidió la "pena de muerte para los traidores" y reclamó que fueran demolidas las viviendas de las familias de los cineastas.

Ante estas amenazas, Abraham y Szor defendieron públicamente su decisión de realizar la película.

"Hicimos esta película impulsados por el sentido del deber de utilizar nuestra posición como israelíes para examinar los sistemas que subyacen a la matanza masiva de civiles palestinos, de la cual nuestro país es responsable", afirmaron.

"Las amenazas del Gobierno israelí de revocar nuestra ciudadanía, así como las amenazas de muerte, no cambian esta postura ni impedirán la difusión de la película. Agradecemos a nuestros colegas su solidaridad y esperamos poder compartir NAZA con el mundo entero muy pronto", añadieron.

Abraham también reivindicó el papel del periodismo frente a las acusaciones del Gobierno israelí: "El periodismo no es traición. La crítica no es traición".

Yuval Abraham y Rachel Szor

Apoyo de organizaciones y cineastas
La controversia provocó también muestras de solidaridad con los realizadores. Según The Guardian, 43 organizaciones locales de derechos humanos emitieron un comunicado conjunto en el que pidieron a las autoridades israelíes que pusieran fin a lo que describieron como incitación y amenazas contra los cineastas y que no emprendieran acciones legales contra ellos ni contra sus fuentes.

Además, más de 1.500 cineastas israelíes firmaron una petición en defensa de la "libertad de expresión y creación" y en solidaridad con Szor y Abraham.

La declaración recibió también el respaldo de cineastas internacionales como Ken Loach, Joshua Oppenheimer, Paul Laverty, Laura Poitras, Nan Goldin, Richard Eyre y Hanif Kureishi. Oppenheimer, director de The Act of Killing y The Look of Silence, calificó las acciones del Gobierno israelí como una "campaña de intimidación a gran escala".

Los directores de No Other Land
Yuval Abraham y Rachel Szor ya habían alcanzado reconocimiento internacional por No Other Land, documental que realizaron junto a los cineastas palestinos Basel Adra y Hamdan Ballal.

La película obtuvo el Óscar al mejor documental en 2024. Jonathan Glazer, director de La zona de interés y Under the Skin, ejerció como productor ejecutivo de NAZA, mientras que James Wilson, de JW Films, también participó como productor.

A diferencia de No Other Land, centrada en la situación de la comunidad palestina de Masafer Yatta, NAZA aborda las operaciones militares en Gaza a través de testimonios de miembros israelíes de los servicios de inteligencia y del Ejército.

Para Abraham, el debate que pretende abrir el documental también incluye la responsabilidad de quienes fueron testigos de las operaciones militares.

"Es un deber de todo ciudadano cuyo gobierno comete crímenes saberlo y de todo soldado que fue testigo de ellos contarlo", afirmó.

La película podrá verse primero en salas y, posteriormente, a finales de noviembre, de forma gratuita y sin límite de tiempo en el sitio web de The Guardian.

Paramount en la mira: empleados advierten sobre prácticas macartistas contra quienes denuncian el genocidio en Gaza

Por: Selome Hailu

El 17 de septiembre, un grupo de aproximadamente 30 empleados de Paramount Skydance envió una carta a la oficina del director ejecutivo David Ellison y a otros altos ejecutivos, criticando a la compañía por "alinearse con un genocidio en Gaza y contra el pueblo palestino".

Después de dos semanas sin recibir respuesta, el grupo hizo un seguimiento el 1 de octubre con una lista de demandas, entre ellas que Paramount done 1 millón de dólares al Fondo de Ayuda a la Infancia de Palestina (Palestine Children’s Relief Fund), igualando su donación de 2023 del mismo monto para esfuerzos humanitarios en Israel.

El grupo de empleados, que se autodenomina Paramount Employees of Conscience (Empleados de Conciencia de Paramount) y Paramount Employees for Human Rights (Empleados de Paramount por los Derechos Humanos), opera de forma anónima; los miembros no firmaron la carta "por miedo a represalias, acoso digital o despidos ante los próximos y ampliamente anunciados recortes de personal", dijeron a Variety.

Sin embargo, el grupo especifica que incluye trabajadores "de todas las divisiones de la empresa y de todos los niveles de antigüedad", incluso ejecutivos. (Variety ha hablado con varios miembros del grupo para confirmar su identidad, empleo en Paramount y participación en la carta).

Los Empleados de Conciencia de Paramount dijeron a Variety que la dirección de la empresa no ha reconocido la recepción de ninguno de los mensajes. Un representante de Paramount declinó hacer comentarios.

A principios de este mes, una organización llamada Film Workers for Palestine (Trabajadores del Cine por Palestina) difundió un compromiso de no "trabajar con instituciones cinematográficas israelíes… que estén implicadas en el genocidio y el apartheid contra el pueblo palestino".

Más de 5.000 personas de la industria del entretenimiento lo firmaron, incluidos famosos como Emma Stone y Joaquin Phoenix. Poco después, Paramount emitió un comunicado condenando ese compromiso por "silenciar a artistas creativos individuales basándose en su nacionalidad".

(En respuesta, Film Workers for Palestine subrayó que el compromiso está dirigido a empresas e instituciones, no a israelíes individuales).

La semana siguiente, los Empleados de Conciencia de Paramount escribieron a varios líderes de la compañía calificando esa declaración como una "distorsión peligrosa e intencionada" que "no representa a los empleados de esta empresa".

La carta decía: "La afirmación de Paramount de que el compromiso busca silenciar a artistas israelíes es una tergiversación deliberada del boicot y de su objetivo. Aplaudimos a FWP por resistir este argumento de mala fe".

En la carta, los empleados acusan a Paramount de hipocresía, señalando que la compañía dice tener como misión "promover el entendimiento mutuo".

"¿Cómo puede una empresa con esta supuesta misión creativa ignorar, suprimir y silenciar los llamados internos —desde hace años— a apoyar historias que arrojen luz sobre las realidades que enfrentan las comunidades marginadas y excluidas, especialmente los palestinos?", escribieron.

Los Empleados de Conciencia de Paramount afirman que trabajadores de toda la compañía han "intentado de forma significativa involucrar a la dirección de Paramount con recomendaciones comerciales estratégicas y basadas en datos" para adquirir proyectos de creadores palestinos, como el documental "No Other Land", que nunca consiguió un distribuidor estadounidense a pesar de ganar el Óscar a mejor documental este año, y la serie de noticias corta "It’s Bisan From Gaza and I’m Still Alive", que finalmente fue adquirida por AJ+ de Al Jazeera y ganó premios Emmy y Peabody en 2024.

En cambio, la carta sostiene que Paramount ha distribuido "historias unilaterales", mencionando específicamente los documentales "We Will Dance Again", "The Children of October 7" y "As1One: The Israeli-Palestinian Pop Music Journey".

("As1One" sigue a una boy band formada por cuatro israelíes y dos palestinos, concebida por ejecutivos musicales estadounidenses y creada en Israel. "We Will Dance Again" y "The Children of October 7" se centran en niños israelíes y asistentes al festival de música Nova en Israel).

Por ello, la lista de demandas enviada a la dirección de Paramount el 1 de octubre incluye "un compromiso para producir, adquirir y distribuir contenido que represente no solo la perspectiva y experiencia del pueblo palestino, sino que también amplifique las voces judías que denuncian cómo el gobierno israelí tergiversa su cultura y creencias religiosas".

El grupo también exige que Paramount "garantice que no habrá represalias ni castigos contra empleados que se pronuncien contra el genocidio y el apartheid".

Además de Ellison, la carta y las demandas se enviaron al presidente de Paramount Skydance, Jeff Shell; al director de estrategia y operaciones Andy Gordon; a la jefa de comunicaciones Melissa Zukerman; al jefe de recursos humanos Jim Sterner; a la presidenta de la división de consumo directo Cindy Holland; a la copresidenta de Paramount Pictures y presidenta de Paramount Television Dana Goldberg; al copresidente de Paramount Pictures y vicepresidente de plataformas Josh Greenstein; y al presidente de televisión George Cheeks.

Carta completa de los empleados a la dirección de Paramount

A la dirección de Paramount:

Como empleados de Paramount de todas las divisiones de la empresa y de todos los niveles de antigüedad, rechazamos firmemente la condena del equipo directivo al compromiso de Film Workers for Palestine.

Desde la hipocresía de la supuesta misión creativa hasta la tergiversación intencionada del compromiso de FWP, la declaración hecha por la dirección de Paramount no representa a los empleados de esta compañía.

Al condenar el compromiso, ustedes se están alineando con sistemas de apartheid, ocupación y con lo que Amnistía Internacional, Human Rights Watch, académicos del Holocausto, expertos independientes designados por el Consejo de Derechos Humanos de la ONU y numerosas organizaciones —incluidas instituciones israelíes como B’Tselem— han reconocido como un genocidio en Gaza y contra el pueblo palestino.

Como empleados de Paramount, nos negamos a que nuestro trabajo sea usado para respaldar la complicidad en la brutalización y el borrado de toda una población.

No apoyamos ni apoyaremos los intentos del equipo directivo de alinear a una empresa estadounidense que cotiza en bolsa con las intenciones, acciones y el brazo propagandístico de un gobierno extranjero.

Como empresa matriz de una gran organización de noticias como CBS, es revelador que Paramount elija guardar silencio mientras cientos de periodistas son atacados y asesinados con impunidad en Gaza, al mismo tiempo que reprende públicamente a trabajadores del cine por elegir con quién colaborar según valores compartidos.

Nos solidarizamos con nuestros colegas de conciencia en toda la industria que exigen justicia, y afirmamos que el boicot a las instituciones cómplices de crímenes de guerra, apartheid y genocidio es un acto legítimo, ético y necesario de solidaridad.

"En Paramount creemos en el poder de las historias para conectar e inspirar a las personas, promover el entendimiento mutuo y preservar los momentos, ideas y eventos que dan forma al mundo que compartimos. Esta es nuestra misión creativa."

¿Cómo puede una empresa con esta supuesta misión creativa ignorar, suprimir y silenciar los llamados internos —durante años— a apoyar historias que muestren la realidad de comunidades marginadas y excluidas, en particular los palestinos? Historias para las que existe una clara y creciente demanda global.

Como empleados, estamos cada vez más motivados a oponernos a la hipocresía demostrable de esta declaración.

Durante años, una coalición diversa y creciente de empleados ha intentado involucrar a la dirección con recomendaciones estratégicas para adquirir y distribuir historias galardonadas como No Other Land y It’s Bisan From Gaza and I’m Still Alive, que sí cumplen con la misión creativa que ustedes afirman: promover el entendimiento mutuo sobre los eventos que dan forma al mundo que compartimos.

¿Cómo puede una empresa con esa supuesta misión dar espacio exclusivamente a perspectivas israelíes mientras silencia las palestinas?

Se han desviado presupuestos y recursos de otras prioridades de programación y marketing para invertir solo en historias unilaterales como We Will Dance Again, Children of Oct 7th y As1One, que no tuvieron éxito comercial alguno y solo contribuyeron a la caída reputacional de la organización y a su desconexión con las audiencias.

Además de esta hipocresía, la segunda mitad de la declaración de condena de la empresa es igualmente engañosa en su distorsión del compromiso:

"No estamos de acuerdo con los recientes esfuerzos por boicotear a cineastas israelíes. Silenciar a artistas creativos individuales por su nacionalidad no promueve una mejor comprensión ni la causa de la paz. La industria del entretenimiento debería alentar a los artistas a contar sus historias y compartir sus ideas con el mundo. Necesitamos más comunicación y participación, no menos."

La afirmación de Paramount de que el compromiso intenta silenciar a artistas israelíes es una tergiversación deliberada del boicot y de su objetivo.

Aplaudimos a FWP por responder a ese argumento de mala fe, y apreciamos a Hannah Einbinder por usar su discurso tras ganar un Emmy para aclarar la verdad:

"El boicot de Film Workers for Palestine no boicotea a individuos. Solo boicotea instituciones directamente cómplices del genocidio."

También elogiamos a Javier Bardem por declararlo en la alfombra roja de los Emmy:

"Film Workers for Palestine no apunta a individuos por su identidad. Los objetivos son las empresas e instituciones cinematográficas que son cómplices o blanquean el genocidio y el régimen de apartheid. Estamos con quienes ayudan y apoyan al pueblo oprimido."

Como empleados de Paramount que apoyamos el compromiso, creemos fundamental subrayar este punto: el boicot no es un ataque a los cineastas.

Se inspira explícitamente en Filmmakers United Against Apartheid, organización fundada en 1987 por Jonathan Demme y Martin Scorsese, compuesta por más de 100 cineastas prominentes que se negaron a proyectar sus películas en la Sudáfrica del apartheid.

De igual modo, estamos seguros de que la historia verá el compromiso de Film Workers for Palestine con el mismo respeto y visión humanitaria.

Cuando un poderoso conglomerado mediático intenta intimidar a los trabajadores del cine por ejercer su libertad de expresión para condenar crímenes de guerra, ¿quién está realmente silenciando a quién?

Firmado, Paramount Empleados por los Derechos Humanos

Demandas del grupo

Seguridad de los empleados:

Pedimos a la dirección de Paramount que reconozca el daño causado a los empleados por su condena del compromiso de FWP y que se comprometa a garantizar que no habrá represalias ni castigos contra los trabajadores que se pronuncien contra el genocidio y el apartheid.

Contenido e historias:

Pedimos a la dirección que cumpla realmente su misión creativa de "promover el entendimiento mutuo" mediante un compromiso concreto para producir, adquirir y distribuir contenido que represente no solo la perspectiva y experiencia del pueblo palestino, sino que también amplifique las voces judías que denuncian cómo el gobierno israelí tergiversa su cultura y creencias religiosas.

Fuente: Variety

Llega la 21.ª edición del BAFICI Rosario: cine de autor, memoria audiovisual y un reclamo que atraviesa la pantalla

Del 21 al 24 de agosto, Rosario será nuevamente sede del BAFICI Rosario, edición local del prestigioso Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires. En diálogo con los medios, Rubén Plataneo, coordinador y programador del evento, brindó detalles sobre la programación, los invitados que llegarán a la ciudad y la importancia de sostener, desde lo autogestivo, un espacio que se ha consolidado como uno de los encuentros cinematográficos más valiosos de la región.

Organizado por Calandra Producciones, el festival tendrá lugar en cuatro sedes: El Cairo Cine Público (Santa Fe 1120), Cine Lumière (Vélez Sarsfield 1027), Auditorio de la Asociación Médica (España 401), y el auditorio del Colegio de Arquitectura y Urbanismo (Belgrano 646). 

Plataneo recordó que el BAFICI Buenos Aires se convirtió rápidamente en un referente internacional desde sus primeras ediciones, consolidándose como el principal festival de cine independiente de Latinoamérica, con amplio prestigio a nivel global. Año tras año, explicó, llegan a Buenos Aires películas de todo el mundo que permiten tomar el pulso de la producción internacional más auténtica y arriesgada.

Fue en ese contexto, relató, que junto a un grupo de amigos que editaban la revista El Eclipse —la primera publicación dedicada al cine en Rosario—, surgió la idea de replicar la experiencia en la ciudad. "Empezamos como espectadores, y pronto sentí la necesidad de acercar ese universo a nuestro público local", dijo.

Así nació el BAFICI Rosario, hace más de dos décadas, con la primera muestra organizada en 2003. Desde entonces, el festival creció sostenidamente, con funciones a sala llena y una relación cada vez más estrecha con directores, productores y actores, quienes no solo aceptaron venir a presentar sus películas, sino que empezaron a considerar a Rosario como una plaza cultural indispensable en el mapa del cine independiente.

En esta 21.ª edición, el BAFICI Rosario ofrecerá más de 40 títulos cuidadosamente seleccionados, provenientes de la programación porteña, pero también con foco en el cine latinoamericano y regional. Plataneo destacó el regreso de una característica distintiva: la presencia de realizadores, productores y artistas en sala, lo que convierte cada proyección en un encuentro entre el público y quienes dan vida al cine.

LS83: un viaje a la memoria audiovisual argentina

Uno de los grandes momentos del festival será la proyección de LS83, documental del argentino Herman Szwarcbart, quien junto al escritor Martín Kohan —protagonista de la película— estará presente para dialogar con el público el viernes 22 a las 20.30 en El Cairo.

Plataneo explicó que el film es un auténtico hallazgo de la memoria audiovisual. El director accedió a los archivos del desaparecido Canal 9, que filmaba en soporte fílmico y registraba con intensidad la vida en la calle durante los años 70. A ese material excepcional se suman los textos de Kohan, extraídos de su libro Yo me acuerdo, donde narra episodios íntimos de su infancia. El montaje entre los recuerdos personales y las imágenes públicas permite construir una poética de la memoria colectiva, cargada de emoción, política y sensibilidad generacional.

Para Plataneo, LS83 es "una de las mejores películas de la programación", y representa una propuesta de alto valor histórico, estético y emocional.

Tres veces Ana: una función en 35 mm como ritual cinematográfico

Otra de las funciones destacadas será la del clásico Tres veces Ana (1961), de David José Kohon, protagonizada por María Vaner, que se proyectará en fílmico, en formato 35 mm, el jueves 21 a las 20.30 en El Cairo. Plataneo subrayó que esta será una experiencia especial, no solo por el valor histórico de la película —referente del nuevo cine argentino de los años 60—, sino también por el carácter ritual de ver cine en su soporte original, con la participación activa del proyectorista en cabina. Para él, ese gesto técnico también es un acto de resistencia y homenaje a la historia del cine.

Susana Rinaldi, libre: "nuestra Piaf"

En el Centro Cultural Lumière, con entrada gratuita, se exhibirá Susana Rinaldi, libre, documental sobre la icónica cantante y actriz argentina. Plataneo no dudó en afirmar que Rinaldi es "nuestra Édith Piaf", y destacó que la película recupera tanto su dimensión artística como su compromiso político, con un recorrido que va más allá de la nostalgia para proyectar su figura en el presente.

Cine latinoamericano, internacional y regional: una muestra diversa y desafiante

Entre los momentos destacados del festival, Plataneo subrayó la visita del realizador Juan Schnitman, quien presentará su nuevo film Nuestra parte del mundo, parte de una trilogía sobre vínculos amorosos contemporáneos. La película se proyectará el domingo 24 en El Cairo, y será una de las funciones centrales de la jornada de cierre.

Ese mismo día, también en El Cairo, se exhibirá una propuesta singular e intrigante titulada The End of Internet (El fin de Internet), un relato coral con historias situadas en distintos países, centrado en el accionar de hackers y comunidades digitales del submundo de la web. Según Plataneo, se trata de una película de fuerte actualidad, que ofrece una mirada reveladora sobre los nuevos conflictos digitales y la vigilancia en red.

Otra presencia esperada será la de la directora Lucía Seles, figura ascendente del cine argentino, reconocida por su estilo personal y humor absurdo. Seles, quien ya participó en ediciones anteriores del festival, regresa este año para presentar dos de sus últimas comedias: Avenida A en 1973 y The Bewilderment of Chile, que se proyectarán el sábado 23 y domingo 24. Plataneo elogió su capacidad de producir a un ritmo notable sin perder frescura ni originalidad, y definió sus películas como "divertidísimas, desopilantes y únicas dentro del panorama nacional".

La programación internacional también ofrecerá una amplia variedad de estilos y geografías. Desde México, llegará El monstruo de Xibalbá, una historia de vacaciones y tensiones en Yucatán contada desde la mirada de un niño; desde la India, Cactus Pears, premiada en Sundance, que aborda una relación afectiva entre hombres en un contexto cultural donde aún persisten fuertes tabúes. Ambas formaron parte de la Competencia Internacional del último BAFICI.

También se exhibirá el documental Fitting In, de Sudáfrica, centrado en las experiencias universitarias de jóvenes estudiantes. De España llegará Bodegón con fantasmas, una comedia con estética singular; y de Francia, dos películas del reconocido realizador Guillaume Brac, una de las voces más originales del cine europeo actual. Completan el panorama internacional dos títulos del joven cineasta español Guillem de Sousa.

Como es habitual en el festival, cada largometraje estará precedido por un cortometraje, una propuesta que permite visibilizar nuevas voces locales. Entre ellos, se proyectarán obras de realizadores de Santa Fe como René Grido, dirigido por Celia Ferrero, y Una casa en la costa, de Juan Lynch, quienes también acompañarán sus funciones para dialogar con el público.

El festival también incluirá:

• Bajo las banderas, el sol (Paraguay), de Juanjo Pereira, sobre la dictadura de Stroessner. Será presentada por su productora Paula Singerman.
• Quinografía, documental argentino-español sobre Quino, de Mariano Donoso, con testimonios de Joan Manuel Serrat y Jorge Valdano.
• Nuestra parte del mundo, de Juan Schnitman, parte de una trilogía sobre las relaciones amorosas contemporáneas.
• Todas las fuerzas, de Luciana Piantanida, ganadora de la Competencia Argentina.
• Dos comedias de Lucía Seles: Avenida A en 1973 y The Bewilderment of Chile.
• El amo del jardín, de Fernando Krapp, sobre el paisajista japonés Yasuo Imamura, presentada en el Colegio de Arquitectura.

Y también películas internacionales:

• El monstruo de Xibalbá (México), sobre un niño en Yucatán.
• Cactus Pears (India), sobre vínculos afectivos entre hombres.
• Fitting In (Sudáfrica), sobre la juventud universitaria.
• Sueña en los androides, de Neon de Sosa (España), de ciencia ficción.
• Bodegón con fantasmas (España), una comedia de estilo único.
• Dos películas de Guillaume Brac (Francia) y dos del español Guillem de Sosa.
• Cleaning & Cleansing (Austria), documental experimental.
• The End of Internet, film de cierre sobre hackers y el submundo digital.

Cortometrajes santafesinos y producción local
Cada largometraje estará precedido por un cortometraje. Entre los locales se destacan René Grido, de Celia Ferrero, y Una casa en la costa, de Juan Lynch, quienes también estarán presentes.
Una ley de cine para Santa Fe: el reclamo que cruza el festival

Más allá de las proyecciones, Plataneo aprovechó para reivindicar un reclamo histórico del sector audiovisual: la necesidad urgente de que Santa Fe sancione su propia Ley de Cine. Subrayó que al menos 12 provincias del país ya cuentan con normativas específicas que permiten el desarrollo sostenido de la producción audiovisual local.

Como ejemplo, mencionó Entre Ríos, que sin ser una de las provincias más ricas, tiene hoy un festival internacional de cine consolidado y políticas públicas que acompañan a realizadores. Según Plataneo, una ley de cine santafesina permitiría estimular no solo la producción de películas, sino también el crecimiento de series, documentales y nuevos talentos.

 

"El cine es cultura, trabajo, industria y memoria —afirmó—. Y si no generamos condiciones para su desarrollo, condenamos a nuestros creadores a la precariedad o al exilio productivo. Ya es hora de que Santa Fe esté a la altura de su potencial".

Durante los días del festival, el tema estará presente en las actividades, proyecciones y charlas, como parte de una agenda política que va más allá de las pantallas.

La programación completa, con sinopsis, horarios, salas y detalles de acceso, puede consultarse en @baficirosario, tanto en Instagram como en Facebook. Las entradas tienen un valor general de $4.000 en El Cairo ($3.000 para jubilados y estudiantes), mientras que las funciones en el Cine Lumière y el Colegio de Arquitectura serán gratuitas. En la Asociación Médica, el ingreso es sin cargo para médicos y socios del Cine Club Rosario.

Plataneo concluyó invitando al público a vivir el BAFICI Rosario como un momento de descubrimiento, encuentro con autores y celebración del cine. "Un festival es también una forma de mirar el mundo con otros ojos", dijo.

Ver también: Una ley para filmarnos: impulso colectivo a la industria audiovisual santafesina

Escuchá la entrevista completa:

El Macondo de Netflix, la travesía de Cien años de soledad hacia la pantalla

La adaptación de Cien años de soledad como una serie de Netflix llega tras años de debates e interpretaciones sobre la novela de García Márquez

Por: Orlando Oliveros Acosta
Gabriel García Márquez, el autor latinoamericano más adaptado a la pantalla de todos los tiempos, escribió Cien años de soledad en contra del cine. Lo hizo porque ningún productor quiso financiar sus historias de la familia Buendía. Así que se sentó frente a la máquina de escribir y creó un pueblo inaccesible a las cámaras de video. Macondo: veinte casas de barro y cañabrava que solo eran posibles en la mente del lector. Hasta que llegó Netflix.

García Márquez no vivió para contarlo. Mientras estuviera en este mundo, su novela jamás saldría por un proyector. Una consigna que muchos cineastas experimentaron en carne propia. El primero fue Francesco Rosi. En 1969, cuando García Márquez residía en Barcelona, el director italiano telefoneó varias veces a su departamento para convencerlo de que vendiera los derechos del libro. El escritor no cedió. Ese mismo año explicó sus motivos a un periodista. "No quiero que Rosi haga Cien años de soledad porque sus soluciones serán literarias y no visuales: se adaptan novelas y las películas resultan pura literatura", dijo. "Un director de cine debe saber las cosas que quiere expresar, tomar sus notas y escribir su película con la cámara mientras filma. Esta es la única forma que tiene un verdadero creador: que tome su equipo y salga a escribir su película, como hacen los brasileños".

Glauber Rocha, un brasileño precisamente, encontró el modo de burlar este argumento.

—Mira, no quiero llevar tu novela al cine porque es imposible —le dijo a García Márquez—. Pero te advierto que cada vez que esté filmando una película y sea oportuno le inserto un elemento sacado de tu novela.

En la década de los setenta, con el libro traducido a múltiples idiomas, el novelista recibió ofertas millonarias. Un consorcio de productores de Estados Unidos y Europa trató de seducirlo con dos millones de dólares. Él los rechazó. Luego, en 1977, Anthony Quinn afirmó en un programa de televisión mexicano que estaba dispuesto a darle un millón. García Márquez declaró, con evidente sorna, que aceptaba la propuesta bajo una condición: que fueran dos millones, uno para él y otro para la revolución socialista en América Latina. Quinn no insistió más.

En el verano de 1979, el escritor coincidió con Francis Ford Coppola en el Festival de Cine de Moscú. Mientras cenaban en un restaurante de Leningrado, Coppola le contó que Vittorio Storaro, su director de fotografía, soñaba con filmar Cien años de soledad. La idea había surgido durante el rodaje infernal de Apocalypse Now en Filipinas. García Márquez escuchó la anécdota en silencio, a la espera de una proposición. Pero el director de El Padrino no se atrevió a hablar de dinero.

Para Gabo, la principal razón de la incompatibilidad entre su libro y el séptimo arte era la imaginación. Mediante la palabra escrita, los lectores pueden concebir su propia versión de los personajes. En ese sentido, cada lector es libre de imaginar a su manera al coronel Aureliano Buendía. Incluso puede otorgarle facciones de amigos y familiares. Eso no ocurre con el cine, una industria de rostros bien definidos. En la adaptación de Netflix, por ejemplo, Aureliano ya no es el padre o el abuelo de proteico semblante, sino el actor bogotano Claudio Cataño. Úrsula, que durante décadas cargó con la máscara de tantas madres, ahora es la actriz antioqueña Susana Morales.

García Márquez deseaba proteger esta libertad de los lectores para identificarse con sus historias. "La literatura tiene mayores posibilidades de llegar a todo el mundo que el cine", solía decir mientras declinaba las propuestas económicas de las casas productoras. Sin embargo, en 1987, el autor colombiano disminuyó el rigor de su consigna. Cien años de soledad nunca sería una película, se le oyó afirmar entonces, pero podría reproducirse en otro formato. "Un serial de televisión, en diez años, sin adaptación".

Aunque fue una discreta luz verde en el camino de la novela hacia la pantalla, tuvieron que transcurrir treinta y siete años más para que Macondo cobrara vida en un set de grabación. La novela que fue escrita contra el cine, ahora es la apuesta más ambiciosa de Netflix en América Latina. Muchos se preguntan si la serie estará a la altura del mito, si dieciséis episodios divididos en dos temporadas bastarán para contar un siglo.

El problema de ir a ver a García Márquez
"Cuando la gente ve una película basada en un libro quiere que sea una ilustración fiel de este. Pero una adaptación cinematográfica es la trasposición que el público se niega a aceptar". La frase es de García Márquez. Significa que, en ocasiones, las adaptaciones no son malas por sí mismas, sino por los lectores que esperan que sea idéntica al libro.

Esto no representaría ningún inconveniente para Netflix si García Márquez fuera un autor de culto. Pero hablamos del escritor en lengua castellana más traducido del siglo XXI. En una lista de los mejores libros de todos los tiempos que publicó The Economist en julio, Cien años de soledad se ubica primera en el podio, por encima del Quijote y Moby Dick. No cabe duda de que la serie será evaluada por millones de lectores.

—Mala suerte para los directores porque la gente va a verme a mí, no a ellos —dijo García Márquez a fines de los ochenta, a propósito del fracaso crítico y comercial de las adaptaciones de su obra—. Acostumbran a juzgarlos a través de mí, de lo que logran hacer de lo mío, en la medida en que se parecen o no se parecen.

El propio Gabo fue víctima de este fenómeno. En 1964, cuando Carlos Fuentes y él escribieron el guion de El gallo de oro, el público no entró a los teatros para ver su adaptación, sino para ver el relato de Juan Rulfo. La película obtuvo malas reseñas y naufragó en la taquilla. Otras adaptaciones tuvieron un destino similar: El año de la peste (1978), basada en una novela de Daniel Defoe; la serie televisiva María (1991), basada en la novela homónima de Jorge Isaacs, y Edipo alcalde (1996), que recrea Edipo rey de Sófocles en un pueblo de Colombia. A todas, al margen de las reflexiones sobre la técnica y la escenografía, un público difícil las juzgó sin piedad porque esperaban sentir en la pantalla lo que solo es posible experimentar con la lectura.

Aun cuando García Márquez escribió los guiones de varios cuentos suyos, a los estrenos acudieron personas que deseaban ver al escritor, no al guionista. En 1988, año en que se proyectó La fábula de la bella palomera (adaptación parcial de El amor en los tiempos del cólera), Gabo retó a su público lector.

—Ahí sí van a tener un problema, porque yo sí me veo en esa película —dijo—. Todo, fotograma por fotograma. Hasta los encuadres del guion que escribí en México con Ruy Guerra son exactamente iguales.

No estaba claro, sin embargo, si era el escritor o el guionista el que hablaba.

Macondo, un estado de ánimo
A principios de 2012, Steven Spielberg dictó en la Cinemateca Francesa una conferencia sobre dirección de cine. "Me gustan las historias que son claras desde el comienzo, que no están rodeadas de simbolismo o de metáforas", dijo. En Cien años de soledad llueve cuatro años, once meses y dos días, y aquel diluvio deja el aire tan húmedo que los peces pueden salir del río para entrar en las casas y seguir nadando por los pasillos. Hay un cura que levita tras beberse un tazón de chocolate y un hilo de sangre que recorre medio pueblo para avisarle a una madre sobre la muerte de su hijo. No es el estilo de Jurassic Park, aunque en Macondo existan piedras blancas y pulidas como huevos prehistóricos.

"Cien años de soledad es un libro icónico. Sería difícil convertirlo en una película, conseguir que tenga el mismo impacto que cuando lo lees", comentó Woody Allen hace unos años.

Para Rodrigo García Barcha, el primer hijo de García Márquez y uno de los productores de la serie, la dificultad de llevar la novela a la pantalla radica en el respeto que los cineastas le tienen a su padre. "Ha habido demasiado respeto al autor y al texto, a como hablan los personajes. En los libros de Gabo hay muy poco diálogo y, cuando lo hay, es muy poético, muy lapidario. Así no hablan las personas en una película. Se necesita menos respeto y más adaptación, más interpretación", dijo durante una charla del 11° Festival Gabo.

Entre la rebeldía y la interpretación, Rodrigo y su hermano Gonzalo consintieron la creación de un nuevo Macondo: el de Netflix. El pueblo de la serie se construyó en el Tolima, a casi 500 kilómetros del mar Caribe. Una distancia que intenta remediarse con la magia de la dirección artística.

"Macondo, más que un lugar del mundo, es un estado de ánimo", dijo García Márquez en El olor de la guayaba. Sofia Coppola hizo una reflexión parecida respecto a las adaptaciones. "Siempre es un desafío adaptar un libro. Es divertido elegir lo que vas a contar o lo que dejas fuera, algo que acaba teniendo que ver con el estado de ánimo".

De manera que el Macondo de Netflix depende, en gran medida, de lo que Alex García López y Laura Mora, los directores de la serie, tengan en el corazón cuando suene el golpe de la claqueta. También de lo que sientan los guionistas. Sólo ellos, bajo el imperio de las intuiciones cinematográficas, sabrán realmente por qué en la serie, cuando se funda Macondo, José Arcadio Buendía pronuncia frases de "La soledad de América Latina", el discurso de García Márquez en la ceremonia de recepción del Premio Nobel de Literatura. O por qué Amaranta, en medio de su pasión frustrada hacia Pietro Crespi, se corta el antebrazo con una cuchilla de afeitar.

Es la diversión —y el desafío— de incluir o dejar afuera los elementos de la novela. Nadie grita "Si no temes a Dios, témele a los metales" y ningún gigante de torso peludo y cabeza rapada custodia el hielo que asombra a Aureliano Buendía. En cambio, hay un Uroboros pintado en los manuscritos de Melquíades que Gabo jamás describió y la llegada de Rebeca se enriquece con el presagio de un mecedor fantasmal en las salinas de la Guajira.

La serie es un ejemplo notable de que la interpretación de Cien años de soledad no es exclusiva de los lectores. Lo que venga después de ella, como todo lo que ha ocurrido antes, probará también que el legado de García Márquez no le pertenece solo a Netflix. El narrador colombiano, al igual que Macondo, ya es parte del mundo: una inspiración de dominio público. 

 Diseño de ilustración: Julio Villadiego, Fundación Gabo

Fuente: Fundación Gabo

Proyectan una ley para fomentar y regular la industria audiovisual santafesina

Ingresó formalmente en Diputados una iniciativa que lleva al menos dos años de trabajo del sector audiovisual santafesino y actualmente lo acompañan 11 diputados y diputadas de distintos bloques. 

El proyecto busca regular e impulsar la industria y crear un fondo desarrollo del cine con fomentos de créditos blandos, subsidios y concursos. Con esta ley, se creará el Fondo del Sistema de Fomento a la Actividad Cinematográfica y Audiovisual se promoverá la producción de obras audiovisuales santafesinas, y se establecerá la Cinemateca Santafesina para la preservación y difusión de nuestro patrimonio cultural.

El director y productor Rubén Plataneo, junto con referentes del área audiovisual de Santa Fe, luego de un largo tiempo de elaboración, investigación y debates fueron quienes elaboraron el proyecto de ley de fomento a la industria y realización audiovisual en Santa Fe.

Hoy 15 de las 24 provincias de Argentina tienen su propia ley provincial y Santa Fe no. El proyecto de Ley contempla en cinco capítulos y 25 artículos las distintas necesidades de la producción audiovisual, la estimulación y el fomento. Allí se crea un consejo asesor integrado por el representante de las asociaciones del sector para asesorar y organizar el plan de fomento anual. 

Los referentes de las industrias culturales santafesinas también pensaron en la necesidad de impulsar festivales de cine, con capitales alternativas y espacios en el canal público y los regionales de Santa Fe. El director planteó la importancia de las industrias culturales en la economía, no solamente en la parte técnica, también hotelería, gastronomía y otros. En Señales hablamos con Plataneo de la importancia de contar con una ley para potenciar el sector.

Argentina y Colombia asumen la presidencia del Programa Ibermedia de estímulos cinematográficos

El Programa Ibermedia de fomento al cine y el audiovisual iberoamericanos celebra este 2023 su cumpleaños número 25 y lo hace con una novedad. Su presidencia será ocupada por dos autoridades de la comunidad.

Por un lado está el presidente en ejercicio del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales – INCAA de Argentina, Nicolás Batlle, y, por otro, la directora de la Dirección Audiovisuales, Cine y Medios Interactivos – DACMI del Ministerio de Cultura de Colombia, María Fernanda Céspedes.

Ambos países asumen la presidencia de Ibermedia en reemplazo de la primera autoridad audiovisual iberoamericana en ocupar dicho cargo, la directora del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales – ICAA de España, Beatriz Navas.

Navas fue elegida con carácter interino en noviembre de 2018, en Roma, y ha ocupado la presidencia del Programa durante dos períodos consecutivos, el tope que puede durar el mandato.

Ha sido por tanto en la tercera y más reciente votación que ha encargado a dos países asumir este papel de manera compartida, una oportunidad para fortalecer aun más el espacio audiovisual iberoamericano de la mano de dos cinematografías que han dado y siguen dando mucho al cine y el audiovisual en la región.

"Estoy muy contento y honrado de compartir con Colombia la presidencia de Ibermedia, el Programa de cooperación audiovisual iberoamericano cuya excelencia se reafirma año tras año", ha dicho Batlle. "Desde Argentina, a través del INCAA, nos sentimos orgullosos de haber sido elegidos junto a Colombia, país con el que sentimos una gran afinidad y tenemos una larga tradición de trabajo audiovisual mancomunado".

Asimismo ha destacado "la importancia que reviste esta experiencia de cara a la cual me pongo a disposición para aportar nuestra trayectoria, recursos y conocimientos para enfrentar los desafíos que los nuevos tiempos demandan. Doy por sentado que será una experiencia memorable en el fortalecimiento del espacio audiovisual iberoamericano".

Por su parte, Céspedes también ha puesto el énfasis en el gran potencial que conlleva una presidencia compartida. "Para Colombia", ha dicho, "es un honor estar por primera vez frente a la presidencia del Programa junto con Argentina. Nuestra misión para estos dos años de copresidencia será trabajar por la consolidación de un espacio audiovisual iberoamericano que fomente la integración de nuestra comunidad de 23 países".

Luego ha añadido: "Somos países diversos con un reto en común para el presente y futuro: el generar acciones acordes con las nuevas necesidades de nuestros realizadores y realizadoras de la región, reforzando y fortaleciendo lo ya existente y explorando nuevos caminos que nos acerquen aun más a estas nuevas dinámicas de la industria no solo a nivel regional, sino también mundial".

Desde que el logo de Ibermedia apareció por primera vez en 1998, el fondo ha ayudado al desarrollo y la coproducción de al menos 2.000 largometrajes de ficción, documental y animación, así como a numerosas series y programas de formación a través de becas y apoyos gestionados por laboratorios, universidades, escuelas de cine y TV, talleres, seminarios y un extenso etcétera, en América Latina y en España, Portugal e Italia.

El lema que ha creado el Programa para celebrar su cumpleaños número 25 lo dice todo: "La emoción del cine iberoamericano generada en más de 2.000 películas".

Fuente: Ibermedia

Dinamarca aprueba impuesto para servicios de streaming para apoyar la televisión local

Los legisladores de Dinamarca acordaron que los servicios globales de transmisión de TV como Netflix, Amazon y Disney deben pagar un impuesto del 6 % de sus ingresos en el país para apoyar la producción de televisión local.

El proyecto de ley, que se acordó el sábado, se produce cuando los gobiernos de toda Europa intentan obtener apoyo para la producción local de películas y televisión tras el rápido aumento de la popularidad de los servicios de transmisión.

"Dinamarca debe ir lo más lejos posible para brindar un buen servicio público a los niños y jóvenes, que pueda servir como una alternativa real a las plataformas de los gigantes tecnológicos y al contenido extranjero", dijo el sábado el Ministerio de Cultura en un comunicado.

Asimimso, el funcionario danés agregó que el panorama mediático fragmentado tras la entrada de los servicios de transmisión global "puede desafiar la cohesión y el diálogo democrático en nuestro país".

Suiza y Portugal han introducido medidas similares y España planea introducir un impuesto.

Los servicios de transmisión de Estados Unidos ya han realizado varias producciones en Dinamarca. Recientemente, Netflix se asoció con la emisora ​​danesa DR para producir la cuarta temporada de "Borgen", que se emitió este año.

Fuente: Reuters

Suiza aprueba que streamings paguen tasas del 4 % para el desarrollo del cine local

¿Y si tu próxima serie favorita fuera suiza?, dice el cartel

Los ciudadanos suizos han aprobado este domingo por referéndum que plataformas de streaming como Netflix, Disney+ o Amazon Video paguen una tasa del 4% para el desarrollo del cine y la televisión local, y además estarán obligadas a que el 30% de su oferta de series y películas esté reservada a producciones europeas.

Con casi todos los votos ya escrutados, un 58% de los suizos aprobó la reforma de la Ley del Cine nacional que introduce estas obligaciones, en una consulta que tuvo una participación del 39%, una baja tasa habitual en la cita que cada trimestre tienen los suizos con diversos referendos.

La reforma ya había sido aprobada por el Gobierno y el Parlamento suizos el 1 de octubre del año pasado, aunque opositores a ella, muchos de ellos provenientes de las secciones juveniles de los principales partidos nacionales, lograron reunir las firmas necesarias para someter esta iniciativa legal a referéndum.

El Gobierno suizo sostenía que la iniciativa, conocida popularmente en el país como 'Ley Netflix', buscaba paliar la actual desigualdad del mercado audiovisual helvético, ya que las televisiones nacionales sí pagan la mencionada tasa del 4% mientras que las plataformas de streaming no lo hacían hasta ahora.

Desde 2007, las cadenas nacionales helvéticas de televisión ya deben invertir 4% de su volumen de negocios en la creación cinematográfica suiza. Esta obligación se aplicará también ahora a las cadenas extranjeras que emitan anuncios publicitarios específicos de Suiza.

La reforma legal buscaba según las autoridades suizas "compensar las lagunas creadas durante la transición digital", tras la irrupción de servicios que hace una década no existían pero que actualmente son ampliamente utilizados en el país, donde mueven un volumen de negocios anual de unos 300 millones de francos suizos (287 millones de euros).

Tras el "sí" dado hoy por la población suiza, las plataformas audiovisuales podrán bien ayudar directamente al cine y televisión de Suiza, con patrocinios y producciones nacionales, o bien pagar un impuesto equivalente para que sea el Gobierno quien redirija esos fondos.

La reforma legal también afectará a cadenas extranjeras que emiten contenidos concretamente dirigidos a los telespectadores suizos, caso de las francesas TF1 o M6.

Los partidarios del "no" argumentaban que esta tasa repercutirá negativamente en los consumidores, ya que es posible que las plataformas reaccionen a ella aumentando el precio de los abonos, o retirando producciones no europeas de sus ofertas.

Con la victoria del sí, Suiza se une a otros países europeos que ya han dictado con anterioridad sus propias 'tasas Netflix', algunos con porcentajes considerablemente mayores al 4% fijado este domingo en Suiza, caso de Francia (26%) o Italia (20 %).

Foto: Agencia AFP

Fuente: Agencia EFE

Paramount+ se asocia con Gaumont para ampliar su catálogo de producciones originales

Paramount+, el servicio de streaming premium de Paramount Global, anunció una asociación a largo plazo con Gaumont, la renombrada productora global detrás de famosos títulos como Lupin, Narcos, Barbarians y Stillwater, para producir varios contenidos originales con guiones internacionales de primer nivel, ampliando el servicio para alcanzar todo tipo de audiencias y aumentar la sólida oferta de contenido disponible en Paramount+ en todo el mundo. Esta asociación fue anunciada por Raffaele Annecchino, CEO de International Networks, Paramount studios y servicios de transmisión, durante un discurso en el Foro Profesional de Series Mania, el festival de series más grande de Europa, en Lille.

Este mismo año Gaumont producirá varios originales en asociación con el estudio internacional de Paramount, VIS, como parte del plan de Paramount+ para dar luz verde a 50 nuevas producciones originales internacionales. VIS obtendrá acceso a la amplia red de talentos y creativos de renombre de Gaumont en mercados clave para Paramount+, incluida América Latina y Europa. Como resultado de la asociación, Paramount+ dio luz verde para el estreno mundial del siguiente título:

The Signal (Le Signal) (Francia): es un thriller de terror basado en la novela más vendida de Maxime Chattam y dirigido por el showrunner François Uzan (Lupin). Después de perder a su amada hermana en un accidente automovilístico, la famosa locutora de radio Olivia Dormeuil se muda a una casa antigua en una isla, aislada con su familia. Pero el cambio de escenario pronto resulta más desafiante de lo esperado cuando los miedos no expresados de la familia comienzan a tomar forma fantasmal y algunos habitantes de la isla comienzan a morir en extrañas circunstancias. Para desentrañar el misterio, la familia arriesgará sus vidas para sumergirse en lo más profundo de la isla, enfrentándose a demonios del pasado que pueden ser demasiado aterradores o vergonzosos para enfrentar.

Además, se aprobaron los siguientes títulos para su desarrollo:
Futuro Desierto (Desolate Future) (Argentina): Un thriller distópico que gira en torno a un ingeniero en robótica que se muda con su familia a un pueblo en la Patagonia donde se le ordena probar los primeros robots humanoides en secreto. La preeminente escritora y directora argentina Lucía Puenzo, cuyos notables créditos cinematográficos incluyen XXY y El médico alemán, seleccionada en Cannes, copresentará y dirigirá varios episodios con su hermano, Nicolás Puenzo, codirector de Cromo y La Jauría.

Anywhere (Alemania): En esta comedia dramática con la creadora y guionista Jana Burbach (Bad Banks, Tribes of Europa), las habilidades camaleónicas de Toni Falk la ayudan en su carrera, pero la dejan sola y perdida, incapaz de entablar relaciones saludables…después de que un amante casual le declara su amor, Toni es golpeada por una maldición que la transporta a diferentes versiones de su vida. Ahora, ella tiene que encontrar de alguna manera un camino a casa, en donde sea que esté.

Impact (Francia): Basado en el best-seller de Olivier Norek, este thriller explora la batalla de un hombre contra la catastrófica situación ecológica de nuestro planeta. Después de que la contaminación mató a su hija recién nacida, Virgil Solal, decide ir a la guerra, solo, contra los gigantes, y su mensaje pronto encuentra eco en todo el mundo en forma de una manada de simpatizantes enmascarados. Co-creado por Jean-Xavier de Lestrade (Murder on a Sunday Morning, The Staircase), Antoine Lacomblez (Laetitia) y Severine Werba (Spiral).

"Esta asociación a largo plazo con la prestigiosa y estimada compañía de producción Gaumont es otro ejemplo de nuestro compromiso de producir contenido de alta calidad que cruza fronteras y resuena en audiencias de todo el mundo", dijo Raffaele Annecchino, presidente y director ejecutivo de Paramount’s International Networks, Studios and Streaming: "Nuestra estrategia de contenido global sólida, multifacética y creativa, combinada con inversiones estratégicas y un historial profundamente arraigado de brindar éxitos globales y locales convincentes a nuestra audiencia, prepara a Paramount+ para un éxito continuo".

"Estamos entusiasmados de iniciar una relación global con Paramount+ y contribuir a su lanzamiento internacional con cuatro nuevos espectáculos en Europa y América Latina", comentó Sidonie Dumas, directora ejecutiva de Gaumont.

Estos originales complementarán los 40 proyectos de Gaumont, que ya se encuentran en preparación o producción en sus seis oficinas internacionales (París, Los Ángeles, Londres, Berlín, Colonia y Roma), incluida la temporada 6 de Narcos (EE. UU.), la temporada 2 de Bárbaro (Alemania), la temporada 2 de Lupin. (Francia), Damage (Reino Unido) para Netflix; El Presidente (EE.UU.) y Totem (Francia) para Amazon, Kaiser Karl (Francia) para Disney y Stillwater (EE. UU.) para Apple.

Esta lista se suma a las series con guiones originales internacionales de Paramount+ previamente anunciadas, que incluyen Sexy Beast, A Gentleman in Moscow, Simon Beckett’s Chemistry of Death, Los Enviados (The Envoys), Cecilia, Bosé, Miss Fallaci, At Midnight, y más, además de una creciente lista de series con guiones globales ya anunciadas y muy esperadas, entre las que están: Atracción fatal, Grease: Rise of the Pink Ladies, Rabbit Hole y The Offer, además de títulos populares de Paramount, como Kamp Koral: SpongeBob’s Under Years, MTV Unplugged y South Park.

Paramount+ sigue con su expansión global y se lanzará en el Reino Unido, Corea del Sur, Francia, GSA e Italia en 2022. Más allá de los Estados Unidos, Paramount+ ofrece casi 3000 episodios de contenido infantil, 1000 episodios de reality, más de 500 películas y 2500 horas de series, dramas y sitcoms de Paramount+ Originals, CBS y SHOWTIME®.

El servicio ha ampliado su oferta de deportes en vivo fuera de los EE. UU. y Australia para incluir América Central y México con los derechos exclusivos de la Premier League inglesa.

La asociación fue anunciada durante el discurso de apertura de Lille Dialogues de Raffaele Annecchino, presidente y director ejecutivo de Paramount's International Networks, Studios and Streaming, en el Foro Series Mania.

Sobre Gaumont
Formada en Francia en 1895, Gaumont es la primera compañía cinematográfica del mundo y celebra 126 años de historia e innovación. Con oficinas en París, Los Ángeles, Londres, Colonia, Berlín y, recientemente, Roma, Gaumont es un líder de la industria que produce y distribuye programas de televisión y películas de alta calidad. Especializada en la producción de historias locales con un atractivo global, la lista actual de Gaumont incluye títulos diversos, distintivos e impulsados por el talento en varios idiomas para las principales plataformas, canales y teatros de transmisión global del mundo.

Sobre Paramount+
Paramount+ es un servicio de streaming de video por suscripción global de ViacomCBS que ofrece una montaña de entretenimiento premium para audiencias de todas las edades. A nivel internacional, la plataforma presenta un amplio catálogo de series originales, programas exitosos y películas populares de todas las marcas y estudios de producción de renombre mundial, incluyendo Showtime®, Bet, CBS, Comedy Central, MTV, Nickelodeon, Paramount Pictures y Smithsonian Channel, además de una sólida oferta de contenido local de primer nivel. En 2021, el servicio se lanzó en 25 mercados, incluidos los EE. UU., Canadá, América Latina, los países nórdicos y Australia, y se espera que se introduzca en 45 mercados adicionales para fines de 2022.
Fuente: Pulpo - Paramount+

MGM se une a Prime Video y Amazon Studios

Finalmente es oficial: desde este jueves 17, Amazon es dueño oficial de MGM. La compañía incorpora a sus activos al estudio de cine y televisión solo un par de días después de que el organismo regulador antimonopolio de la Unión Europea aprobara la operación. La compra ha quedado cerrada en US$ 8.500 millones y anunciada por el nuevo propietario tras vencerse el plazo que tenía la Comisión Federal de Comercio de EEUU (Federal Trade Commission, FTC) para impugnarla.

El estudio de casi un siglo de antigüedad se integra así al gigante para proveer de contenidos a Prime Video y complementar la labor de Amazon Studios. MGM tiene un catálogo de más de 4.000 títulos de películas, 17.000 episodios de televisión, 180 premios de la Academia y 100 premios Emmy, incluidos los favoritos de la franquicia como James Bond, Rocky y Creed, y clásicos como Thelma & Louise, The Silence of the Lambs, Los Siete Magníficos y Toro Salvaje.

"MGM tiene un legado de casi un siglo de producción de entretenimiento excepcional, y compartimos su compromiso de ofrecer una amplia gama de películas y programas de televisión originales a una audiencia global. Damos la bienvenida a los empleados, creadores y talentos de MGM a Prime Video y Amazon Studios, y esperamos trabajar juntos con el fin de crear aún más oportunidades para ofrecer narraciones de calidad a nuestros clientes", dijo Mike Hopkins, vicepresidente sénior de Prime Video y Amazon Studios.

Chris Brearton, director de operaciones de MGM, también destacó las oportunidades que se le abren a la factoría en esta nueva etapa.

"Estamos emocionados por MGM y su generosidad de marcas icónicas, películas y series de televisión legendarias, y nuestro increíble equipo y socios creativos para unirse a la familia Prime Video. MGM ha sido responsable de la creación de algunas de las películas y series de televisión más conocidas y aclamadas por la crítica del siglo pasado. Esperamos continuar con esa tradición a medida que avanzamos en este próximo capítulo, reuniéndonos con el gran equipo de Prime Video y Amazon Studios para brindar al público lo mejor en entretenimiento en los años venideros", dijo.

Amazon adelantó que dará la bienvenida a todos los empleados de MGM a la empresa para trabajar en consonancia con la dirección del estudio, resaltando que no habría despidos.

Parte del contenido de MGM que llegará a Amazon
Algunas famosas franquicias se encuentran entre el contenido de MGM. Nos referimos a James Bond, Rocky, El Hobbit, La familia Adams, La pantera rosa, Legalmente Rubia o Thomb Raider. A ellas se suman clásicos filmes como Lo que el viento se llevó (1939), El mago de Oz (1939), Danza con lobos (1990) o El violinista en el tejado (1971).

Otros de sus títulos son Thelma & Louise (1991), El silencio de los inocentes (1991), Los Siete Magníficos (2016), Robocop (1987), Creed (2015), Una pareja de idiotas (1994), El Graduado (1967), Poltergeist (1982) y Toro salvaje (1980).

En lo que tiene que ver con las series, existen algunos títulos que, desde ahora, pasarán a formar parte del catálogo de Amazon: El cuento de la criada, Fargo y Vikingos, entre otras. 

Fuente: About Amazon

Italia entierra la censura en el cine

La ley que permitía al Estado intervenir en las obras de los artistas cinematográficos ha sido derogada y el país solo clasificará las películas en función de la edad de sus espectadores

Imagen de 'Saló o los 120 días de Sodoma'

Por: Daniel Verdú

Giulio Andreotti, siete veces primer ministro de Italia y hábil cicerone de las tinieblas políticas, tuvo otras funciones antes de llegar a ser Il Divo que lideró el país. Su modo silencioso y certero de ver el mundo, sin embargo, siempre fue parecida. “La ropa sucia se lava en casa”, proclamó durante su etapa como subsecretario de la Presidencia y responsable del sector del espectáculo a cuenta del neorrealismo italiano y de la película Umberto D, de Vittorio De Sica. Según el príncipe de una Democracia Cristiana que hacía frente ya contra el Partido Comunista y exhibía la reconstrucción del país después de la guerra, aquella obra ofrecía una mala imagen en el extranjero. “Es un pésimo servicio a la patria”. Corrían tiempos del posfascismo todavía. Pero diez años después se aprobó la ley que seguía vigente a esta semana y que continuó hasta hace poco modulando un largo camino de censuras y recortes en el cine italiano.

Italia ha desconectado definitivamente la máquina censora. La ley que permitía imponer la mordaza sobre determinadas películas fue liquidada esta semana mediante decreto y sustituida por un sistema de calificaciones por edad que deberán proponer los propios productores y distribuidores. “Queda abolida la censura cinematográfica y superado definitivamente ese sistema de control e intervención que consentía todavía al estado intervenir sobre la libertad de los artistas”, proclamó el ministro de Cultura, Dario Franceschini. Un avance relativo, ya que básicamente desguaza una ley zombi y en desuso que, además, se produce justo cuando las salas de cine están cerradas en plena pandemia. Precisamente el momento histórico en el que ha habido menos material que censurar.

Los recortes no fueron tampoco en los últimos tiempos una práctica habitual. Italia solo recurrió a este instrumento dos veces en los pasados 25 años, como recuerda el director general de Cine, Nicola Borrelli. La última fue Morituris (2011), un filme de terror en el que se mostraban demasiadas vísceras y sangre, según el gusto del Ministerio. “El problema es que había secuencias particularmente sangrientas, intestinos, vísceras, cerebros… Pero pensamos que fue algo intencionado. Se hicieron una buena campaña de comunicación a costa de aquello. Bastaba muy poco para contentar a los expertos del comité”. Ese fue el último caso, recuerda al teléfono.

El caso anterior, con algo más de profundidad moral, tuvo que ver con la comedia Totó que vivió dos veces. Aquí la película chocó con la Iglesia y con el escándalo crónico ante la blasfemia de un país que acoge en su territorio al Vaticano y algunas de las costumbres católicas más rígidas. Un argumento parecido al que había motivado durante años tantas otras mutilaciones. La lista de películas denunciadas por ofensa a la moral es larga (no más, sin duda, que la de España en los años del franquismo). Pasolini, que fue denunciado por casi todas sus películas y tuvo que modificar el guion de Accattone (1961) o recortar más de ocho metros de Medea, ostenta el récord: Mamma Roma (1962), La ricota (1963), Teorema (1968), El Decamerón (1971), Los cuentos de Canterbury (1972) o Saló o los 120 días de Sodoma (1975). Pero el inventario incluye cumbres como Blow-up, de Antonioni o, incluso, La gran comilona, de Marco Ferreri.

El manoseo de las obras de los cineastas internacionales e italianos por parte del Estado vivió su momento álgido durante la dictadura fascista (1922-1943), que lo usó como arma propagandística. Es cierto que los controles empezaron a diluirse con la aprobación de la Constitución Republicana de 1948, que reconocía la libertad de expresión. Pero muchos directores siguieron bajo el yugo de los caprichos de los censores. Bernardo Bertolucci fue uno de sus preferidos con Novecento (1976) y, especialmente, con El último tango en París (1972), cuyos trabajos fueron destruidos alegando un delito de “obscenidad” y a cuyo director se privó de su derecho al voto durante cinco años.

El decreto que sustituye ahora la ley de 1962 creará una comisión que se limitará a catalogar las cintas por edades. La comisión estará compuesta por 49 miembros de “comprobada” profesionalidad del sector cinematográfico y contará también con pedagogos y asociaciones de padres y de animalistas. Si hubiese películas que atentan contra los derechos de determinados colectivos o pudieran incitar al odio u otros delitos, siempre quedaría el recurso de los tribunales ordinarios, recuerda Borrelli. “Siempre quedará el código penal. Todo el mundo puede recurrir a un juez y pedir lo que crea conveniente. Pero lo importante es que ya no puede hacerse con un acto administrativo a través de una estructura del ministerio”, señala. Al fin y al cabo, piensan muchos, la censura viene ya dada en formas mucho más sofisticadas que la tijera del Estado.

Fuente: Diario El País

Room 666 en 2020: Ideas sobre la desaparición del cine

Durante el Festival de Cannes de 1982, el realizador alemán Wim Wenders reúne en una habitación de hotel a un grupo de 15 conocidos directores para conocer su opinión sobre el futuro del cine ante el avance de la televisión y el alza de los presupuestos

Por: Rodrigo Ayala Bluske – Crítico y Ensayista
Room 666 es el nombre de un documental que Wim Wenders filmó en el Festival de Cannes de 1982. Lo que hizo el realizador alemán fue instalar una cámara en un cuarto de hotel e invitó a 15 directores que, en una excéntrica soledad, tuvieron que responder a preguntas que giraban sobre la misma temática: ¿Cuál es el futuro del cine?, ¿desaparecerá frente al avance de la televisión y la dictadura de los altos presupuestos?

Este 2020, marcado por la crisis del COVID-19 que ninguno de sus protagonistas podía imaginar ni en 1982 ni hace tres o cuatro meses, nos encontramos, sin embargo, básicamente, con las mismas inquietudes y temores.

La forma de la pregunta es distinta, pero la substancia, el “entrelíneas” es universal; ¿va a poder sobrevivir el cine? El enemigo en ese momento eran la televisión y los altos presupuestos (que fortalecen los blockbusters, las grandes superproducciones, pero dañan el resto del espectro cinematográfico). Hace unos años, el streaming era percibido como el gran rival. Hoy es un fenómeno mucho mayor y de características aterradoras: aquí, en Francia y en Hollywood, el mercado simple y llanamente ha desaparecido y las películas se agolpan en la fila, sin saber cuándo podrán estrenarse.

Es interesante observar cómo la mayor parte de los entrevistados sucumben ante la sorpresa y caen en el desconcierto. Solo un puñado da respuestas interesantes y entre ellos se destaca Godard; para él es un problema que las pequeñas películas estén desapareciendo frente a la tendencia de la industria a encarar solo grandes producciones, pero uno mayor, por su fuerza expresiva, es el de la publicidad, que atiborra al espectador de momentos culminantes. En las tandas publicitarias “se ofrece múltiples clímax de Potemkin, pero sin las dos horas de respaldo de Potemkin”, dice el suizo–francés.

Y si pensamos en el atiborrado contexto de “efectos especiales” producidos merced al abaratamiento de la tecnología en nuestros tiempos, amén de la sobresaturación publicitaria, no nos queda más que seguirle dando la razón. Y hoy, en este 2020, podríamos añadir que dado el “tiempo” de lo virtual y las redes, la capacidad de atención del espectador medio ha caído notablemente; clímax y más clímax y cada vez menos contenido.

Varios de los otros entrevistados vuelven sobre el tema: ¿la estética de la televisión se comerá a la del cine? Como han pasado treinta y tantos años de la realización de dicho documental y se puede decir que ya hemos superado los embates más fuertes (y en algún caso definitivos) de la videocasetera, la televisión por cable, el DVD y ahora el streaming, sabemos categóricamente que no. A pesar de que en muchos casos el principal vehículo de difusión de los filmes se da en la TV o el video casero, el encuadre para la gran pantalla no representa ninguna desventaja; igual las películas se consumen y su capacidad de rating sigue enfrentando sin problemas a los mejores productos hechos específicamente para la televisión.

En ese sentido podemos tomar las palabras de Herzog, cuando dice que el cine posee una fuerza expresiva superior a la de la TV: “Tiene la capacidad de expresar mejor la vida”. Y si le damos la razón, podríamos concluir que también tiene la capacidad de atravesar las limitaciones de cualquier vehículo de difusión. Otra cosa es que como todo arte vivo, tienda a reinventarse y a dejarse influir periódicamente por otras formas expresivas; por el teatro y la misma radio en determinados momentos y por la televisión y sus descendientes en otros.

Paul Morrissey, el “operador” de Andy Warhol por mucho tiempo, da otro criterio complementario. En un inusual ataque al cine de autor, afirma que en realidad el medio está muriendo porque ha abandonado a los personajes y por tanto carece de vida. “Hay más vida en los Talk show, que en las películas”, proclama, y culpa por ello a los directores y a la fotografía que han ocupado el rol primigenio que antes le correspondía a las historias.

Spielberg se preocupa por los presupuestos. “Una producción importante costaba ocho millones hace un tiempo, hoy no se puede hacer una película de ese alcance, por menos de 27”. Seguramente el director no podía imaginar en ese entonces las “medias” que hoy llegan a los 100 millones de dólares y que en ocasiones trepan hasta los 200.

Son temores de hace casi tres décadas, pero que en la práctica no han hecho más que desmentirse.

Es verdad que la tecnología ha dado saltos impresionantes, pero ellos no han hecho más que facilitar el acceso masivo a las herramientas creativas de la imagen en movimiento. Por su parte, las grandes producciones de Hollywood elevaron hasta las nubes sus costos, merced a una atropellada carrera inflacionaria, pero en contrapartida ha aparecido el digital para posibilitar un cine de bajos presupuestos. En realidad podríamos decir que nuestra situación es mucho mejor que la de los 80, 70 e inclusive 60 en cuanto a posibilidades de realizar un cine independiente de grandes capitales.

La pregunta clave, entonces, en estos momentos vuelve a ser: ¿va a sobrevivir el cine a la pandemia? ¿Qué ocurrirá si las salas tienen que ser abandonadas por uno, cinco o más años y las películas no tienen dónde estrenarse? Podemos especular mucho, pero la respuesta a la primera pregunta es siempre: sí. El cine no va a morir porque se ha convertido en una forma básica de la expresividad social. Seguramente seguirán cambiando los formatos y es seguro que la pandemia nos obligará a cambiar nuestros hábitos de producción, pero en realidad tampoco se trata de un fenómeno completamente nuevo.

En 1945, los cineastas italianos se encontraron con que la guerra había destruido sus estudios y al filmar en las calles comenzaron eso que luego se denominó como Neorrealismo. Es el momento de retomar la célebre frase de Glauber Rocha: “El cine es una cámara en la mano y una idea”, a lo que quizás podríamos añadir en estas épocas de encierro obligatorio: “también una editora y un amplio banco de imágenes para empezar a trabajar”.
Fuente: Tres Tristes Críticos

Pablo Trapero realizará las series Galimberti y Carancho

El cineasta está desarrollando dos ambiciosas series originales con la compañía recién fundada por Diego Suárez Chialvo, Pablo Cruz y Enrique López Lavigne

A pocas semanas desde su lanzamiento oficial –donde aseguró que tiene más de 60 proyectos en marcha-, la nueva compañía El Estudio dio a conocer dos nuevas series originales en desarrollo.

Ambas vienen de la mano del talentoso director de cine argentino Pablo Trapero (El clan, Leonera), que será showrunner y director, según detalla Variety.

Se trata de Carancho, adaptación televisiva de la película que Trapero escribió y dirigió en 2010, y Galimberti, una serie biográfica sobre Rodolfo Galimberti, guerrillero y dirigente del movimiento Montoneros.

La serie Carancho será rodada en EEUU y en inglés, y trasladará su historia de Buenos Aires a la comunidad latina en el Este de Los Ángeles, descrita por El Estudio como una "“Ciudad sin ley, casi como un western, donde los crímenes, el dinero, el dolor, la supervivencia y el amor conviven de una manera violenta y voluptuosa", explican desde la página web de la productora..

En la película, un thriller, Ricardo Darín interpreta a un "carancho", un abogado corrupto que vive de las víctimas de los accidentes de tránsito, y Martina Gusmán se pone en el papel una joven médica adicta que hace guardias en un hospital.

Por otro lado, Galimberti será una bioserie grabada en español, y se centrará en la vida de Rodolfo Galimberti (1947-2002), que en los 70 fue guerrillero de la organización de izquierda Montoneros y en los 90 se convirtió en agente de inteligencia y en empresario y miembro del jet set argentino.

La serie está inspirada libremente en la novela Galimberti. De Perón a Susana, de Montoneros a la CIA, escrita por Marcelo Larraquy y Roberto Caballero.

Trapero será el showrunner de la serie, y dirigirá algunos episodios.

El Estudio describe a Galimberti como "un inquietante protagonista de la política argentina y latinoamericana en tres décadas de aventura, miseria, traiciones y sangre".

"Su lucidez, cálculo y oportunismo le permitieron navegar con extraordinaria facilidad los altibajos escandalosos y dolorosos -políticos, económicos- de todo un continente", agrega.

Trapero comentó que quiere que Galimberti siga el estilo de ZeroZeroZero, la serie que codirigió para Amazon Prime Video, que mezcla crimen y negocio con política e ideología. Trapero hizo con "Carancho" su sexta película, a las que luego se les iba a sumar films de la talla de "Elefante blanco", "El clan" o "La quietud". También el pasado agosto se anunció que el bonaerense realizará la adaptación del clásico de terror "Carretera Maldita / Roadwork", escrito por Stephen King, bajo la producción de los hermanos Andy y Bárbara Muschietti, quienes brillaron con otra saga inspirada en una obra del mismo autor, "It".

"Pablo es un narrador increíblemente talentoso con una voz única y una visión exquisita. Él es la definición del cineasta internacional moderno con una amplia experiencia tanto a nivel de estudio como en el universo de autor. El tipo de talento con el que El Estudio nació para asociarse", dijo Diego Suárez Chialvo, CEO de El Estudio.

Estas dos producciones se suman a otras ya anunciadas por El Estudio, como la versión mexicana de Vergüenza, la serie original de Movistar+, para Pantaya; Barcelona Trilogy, una serie de thriller escrita por Xabi Puerta; El baile de los 41, una película mexicana producida junto a Netflix y Cinépolis; y la segunda temporada de Taco Chronicles para Netflix.